의상

일반적인 겉에 입는 의류를 말하지만 총연에서는 공연시에 배우들이 입는 의류와 그를 담당하는 스텝을 총칭하는 말이다. 보통 배우 숫자만큼 갈려나가는 보직이다. 교내에 의류학과가 있는 관계로, 간혹 동료 연우에게 직접적 자문을 얻을 수도 있다. 또는 직접 갈아넣을 수도 있다

스텝에 관한 설명에 언제나 들어갈 이야기지만 연극은 종합예술이다. 인간의 여러가지 감각을 통해 극적 효과를 나타내며, 의상스텝의 경우 시각적인 효과중 한 축을 담당하게 된다. 일반적으로 한 배역의 의상은 그 캐릭터의 성격, 직업, 신분, 능력, 현재 상황, 작품의 배경이 되는 시대 등을 상징적으로 나타내게 된다. 연출의 주안점이 어느 곳에 있느냐에 따라 해당 인물의 의상 디자인에 대한 방향도 바뀌게 된다.[1]

입는 의상이 캐릭터의 성격을 암시한다는 점에서, 성격으로 인해 소품스텝과 함께 소위 말하는 고증[2]이 중요한 작업 중에 하나다. 물론 세밀한 고증이 필요하다기 보다는, 상식선에서 사람들이 이해할만한 의상을 입혀야 한다는 이야기이다. 예를들어 6.25전쟁 시기를 배경으로 하는 극이 있을 경우, 국방군의 옷은 현재의 군복으로 해도 큰 상관이 없다. 실제 당시 국방군이 입는 옷은 현재의 남한 군복과 완전히 달랐지만 사람들은 대충 남한 군복이려니 하고 이해하고 넘어갈 것이다. 하지만 현재의 예비군복을 입혀놓고 인민군이라고 하는 것은 분명한 오류라고 할 수 있다.

의상스텝이 해야 할 일은 연출이 지시하는, 또는 본인이 생각하는 어떠한 캐릭터의 의상을 구하거나, 직접 제작하는 것이다. 일반적으로 제작하기보다는 구매하거나 대여하는 방향으로 가는 쪽이 많다. 예외적으로 인형의 집같은 경우에 의류학과 출신의 의상스텝들이 헬머를 제외한 모든 배역들의 의상을 직접 제작한 적이 있다.[3] 이 밖에 의류소품[4]들은 직접 제작하는 경우가 꽤 된다.

입히는 옷을 고를때는 해당 캐릭터의 성격을 파악해서 그것을 대표할 수 있는 의상을 고르며, 위에서 설명한것과 같이 해당 캐릭터가 가진 여러가지의 성격들 중 어느것을 가장 강조할지에 대한 고려가 필요하다.

이밖에 캐릭터의 특성상 유니폼을 입혀야 하는 경우가 있다.[5] 일반적으로 유니폼은 신분을 나타내기도 하나 배역 그룹의 특성을 나타내기도 한다. 신분을 나타내는 경우의 예시는 웰컴 투 동막골(2006)의 군복(국군, 인민군, 미군), 세자매의 러시아 군복[6] 등이 있었다. 배역 그룹의 특성을 나타내는 경우의 예시는 나생문의 코러스 복장, 핫썸머의 요정 복장 등이 있다. 흔한 경우는 아니지만 유니폼이 국적을 나타내는 경우도 있다.[7]

많은 의상스텝들이 간과하는 사실 중 하나는 의상은 연출 뿐만 아니라 무대팀과 교류가 필요하다는 점이다. 무대와 의상이 색깔이 잘 맞지 않으면 사람이 아니라 의상이 무대위에서 둥둥 떠다니는안습한 사태가 발생하게 된다.[8] 좀더 심한 경우에는 의상이 보호색을 가지게 되어 관객들 시선에서 사람이 사라진다든가 하는 경우가 생기기도 한다.[9]

경우에 따라 소품스텝과 팀을 이루거나, 아니면 소품과 따로 구분하지 않고 의상스텝팀을 두기도 한다. 하는 주업무가 비슷하기도 하고, 의상과 소품의 분위기나 고증이 서로 맞아야 하기 때문. 최근의 정기공연의 추세는 보통 의상스텝과 소품스텝을 분리하고 있는 추세이다.

추가바람

• 공연 의상 목록 참조
  
  
  

이어지는 자료는 인터넷에 떠도는, 혹은 총연 선배들이 자신의 공연에서 스스로 정리한 일지를 발췌하여 수록한다.

배우의 연기를 도와 주는 환경으로서의 무대의상이란 배우가 걸치는 모든 것을 말한다. 즉, 극 중 인물로서 사용하는 악세사리와 머리장식 얼굴과 몸의 분장에 관련된 모든 것과 마스크도 포함되는데, 이것들은 연극 전체의 통일을 위해 마련되어야 한다. 그러므로 무대의상 디자이너는 의상디자인 및 실제 제작에 대한 충분한 지식과 함께 연극학에 대한 지식도 필요하게 되는 것이다. 무대의상 디자이너는 희곡작품을 통해서 나타난 이미지를 자신의 연상경험(imaginative experience)에 일반인의 고정개념에 따른 상징적인 이미지(symbolic image)를 혼합하여 시각적으로 표현해야 한다. 이처럼 무대 위의 시각적인 환경으로서 분위기를 조성하려면 각 시대의 예술과 건축, 음악, 문학 등에 나타난 그 시대의 관습과 생활상에 대한 풍부한 지식이 있어야 한다. 그 중에서 복식 디자인과 건축물의 형태는 각 시대의 감각에 따라서 그 디자인 요소가 비슷한 분위기로 변화되어 왔으므로 이에 대한 연구는 무대의상과 무대디자인의 통일된 시대극의 분위기 조성에 매우 중요한 자료가 된다. William Bali는 무대의상 디자이너란 문학의 스타일가 연기술, 무대디자인 및 조명 디자이너와 함께 시각적 효과를 구성할 수 있는 감각이 있어야 한다고 했으며, 또한 무대의상 디자이너는 배우가 배역을 창조하는 작업에 대해서 깊은 이해를 해야 하고, 의상 제작팀의 리더로서 작품을 이해시켜 주어야 한다고 했다. 그러기 위해서는 모든 분야에 해박한 지식이 있어야 하는데 가장 중요한 것은 무대 연극적인 것에 대하여 깊은 센스가 있어야 한다고 했다.

무대의상의 역할

1) 극의 상황 설정 의상을 통해서 관객은 극중의 나라, 시대 및 시간, 장소 등의 배경을 파악할 수 있다. 때로 연출가의 작품분석 방향에 따라서 희곡에 나타난 시대 및 나라 등을 바꾸게 될 경우도 있는데 성공적인 연극을 위해서는 무대예술가들의 충분한 협의가 있어야 한다.

2) 극의 스타일 설정 연극의 다양한 스타일 표현은 연출가 및 무대 예술가들의 해석을 통해서 죽어 있는 희곡에게 활기를 불어넣어 움직이는 시각예술로 만들어 준다. 무대의상은 인체라는 영역을 떠나서는 표현할 수가 없기 때문에 무대장치에 비해서 비교적 구상 쪽으로 디자인을 할 경우가 많다. 그렇다고 무대의상 디자이너가 창의력의 범위를 좁혀서 생각할 필요는 없으며, 스타일에 따른 의상 디자인을 할 경우에 어떠한 양식으로 어느 정도 변형시켜야 한다는 일정한 규칙은 없다. 스타일에 따른 디자인의 표현 양식은 디자이너의 센스와 직감력, 그리고 각 시대의 예술표현 양식에 대한 이해와 함께 무엇보다도 연출가의 연극 스타일에 대한 깊은 감정적 교류가 요구되는 작업과정이다.

3) 배우의 성격창조 배우에게 의상이란 성격과 개성을 나타내 주는 마스크인 동시에 그가 표현하려는 극중인물로 만들어 주는 것이다. 배우가 자신의 강한 신체적 개성으로 극중인물로 분장하기 어려울 때에 의상은 배우의 몸에 padding을 하거나, 착시의 특성을 성격에 맞게 조정할 수 있게 하며, 또한 분장과 더불어 의상은 배우에게 등장인물로서의 느낌을 갖게 하는 촉매의 역할을 하기 때문에 배우의 성격창조 작업을 도와 주게 되는 것이다.

배우의 성격창조에 도움을 주는 이외에 관객에게 작품의 이해를 도와 주는 시각적 역할을 해 주는데, 첫째, 의상으로써 주역배우 및 조역배우의 위치를 구별할 수 있다. 둘째, 의상으로써 배우의 상호관계를 알 수 있다. 가족관계나 그룹, 파벌이나 당파 등의 표시를 선이나 색상의 디자인요소를 일치시켜서 그 구별을 명확하게 할 수 있다. 셋째, 의상을 통해서 관객은 무대장치와 배우의 구별을 쉽게 할 수 있다.

첫 인상에서 의상을 통해 지각할 수 있는 것들 1) 성별 2) 나이 3) 직업 (occupation) 4) 사회, 경제적 위치 (socioecomic status) 5) 혼인 여부 (marital status) 6) 특별단체나 조직의 소속 관계 (membership in special groups or organizations) 7) 태도, 흥미, 가치관 (attitudes, interests & values) 8) 기분 상태 (mood) 9) 성격 (personality) 10) 고정관념 (stereotype)

의상디자인을 하기 전에 디자이너는 배우의 극중인물의 성격분석과 함께 배우의 동작도 고려해야 한다. 또한 배우의 동작선을 미리 알아서 연기에 지장을 주는 옷의 디자인을 되도록 피해야 한다. 그리고 공연 중에 배우가 갈아입을 의상에 대해서도 고려해야 한다.

디자인 원리란 인간의 생리적인 유쾌, 또는 불쾌의 감정적인 원동력에서 출발된 모든 사람의 공통된 美적 불변성을 논하는 것이다. 무대의상 디자인의 원리에는 통일, 조화, 균형, 비율, 강조, 착시, 리듬 등이 있는데, 다른 예술작품과 달리 움직이는 각 장면을 구성해야 하는 특수성이 있다. 의상 디자인의 원리 1. 통일 (unity) 한 배우의 의상 속에 있는 통일감은 의상에서 사용되는 디자인의 여러 요소를 한 가지 목적에 알맞게 조화시킬 때 이루어지는데 누가(who), 언제(when), 어디에(where), 무엇하러(why) 등의 상황에 어울리는 디자인이 되어야 한다. 또한 배우 한 사람의 의상 속에 있는 통일감이 다른 전체 배우의 의상과 함께 조화 있는 통일감을 이루어 연극의 분위기를 조성시켜 주어야 한다.

2. 조화 (harmony) 조화와 대비(contrast)를 통한 통일감이 완성되는 것으로 선, 질감, 색 등의 좋은 배열로써 조화를 이룰 수 있다.

3. 균형 (balance) 균형이란 前, 後, 左, 右, 上, 下로부터 동등한 평등한 평형감각을 유지시키기 위해서 형태와 색을 조합하므로써 이루어지며, 안정감을 주는 효과를 갖는 것이다.

4. 비율 (proportion)

5. 강조 (emphasis) 강조는 흥미의 중심을 이루고 있는 요소가 주된 특징을 나타내며, 다른 요소들은 모두 종속적인 위치에서 그 주된 주제를 보조해 줄 때 성립된다.

6. 착시 (optical illusion) 착시현상은 주위의 사물이나 색과 비슷하게 되어 구별이 힘들게 되는 동화착시와 주위의 대비로 더욱 구별이 뚜렷해 보이는 대비착시가 있다.

7. 리듬 (rhythm) 의상디자인에서 통일된 리듬감은 선, 질감과 색 등의 디자인 요소를 이용하여 만들 수 있는데, 특히 무대의상의 리듬은 연극의 진행상황을 도와 주고, 시각적인 공간 및 관객의 감정적인 분위기를 만들어 주어야 한다. 의상 디자인의 3요소 의상 디자인의 여러 요소 가운데 무대의상 디자인 요소로 중요한 것은 색(color), 선(line), 질감(texture)의 3요소이다.

1. 색 (color)

관객은 의상의 장식이나 형태보다도 색에 대한 인상을 먼저 강하게 받고 있다. 그런데 의상의 색채는 단추로 존재하지 않고 언제나 다른 물체나 다른 배우의 의상색과 같이 있게 되고, 조명에 따라 색의 효과가 달라질 수 있으므로, 디자이너는 색을 가지고 작업을 시작하기 전에 색채 감정 및 색채 조화론에 대한 지식이 필요하다. 색채감정은 어떤 문화의 전통이 이루어진 것을 전제로 해서 성립하기 때문에 색채의 상징효과는 각 나라의 문화, 향토, 시대에 따라서 다르며 결코 일률적은 아니다.

색채 이용의 단계적인 방법 1) 작품의 이미지에 따른 색채를 설정한다. 디자이너는 희곡을 읽고서 작품의 분위기에 어울리며 연)상작용에 따라 머리 속에 그려진 색채를 주요 색상으로 정한다. 2) 전체 색 계획이 결정되었으면 주요 인물에 사용될 색을 정한다. 한 의상 안에서 한 가지 색이 지배적으로 되어야 하며, 한 두 가지 다른 색은 액센트로 사용한다. 3) 다른 인물들의 색을 정한다. 똑같은 색의 의상을 두 사람 이상 사용하면 관객이 배우를 혼동하게 되므로 주의해야 한다.

색채 조화론 1) 단색조화 같은 색상에 채도와 명도의 변화를 주어서 디자인하는 방법 2) 유사색조화 비슷한 색상들을 채도와 명도를 변화시켜 함께 작용하도록 하는 것으로 이러한 방법은 연극에서 배우의 위치나 소속관계 등을 나타내는 데 자주 이용되고 있다. 3) 보색조화 보색의 색상대비는 색채의 사용에서 명도의 조정 및 사용된 보색 양의 주의 깊은 조절에 의해서 효과적으로 창조되는 것인데 고도의 기술이 필요하다. 4) 삼색조화 가장 다양성이 있는 이 3색조화는 색상환에서 같은 거리에 있는 색을 사용하여 색의 비율에 주의해야 한다.

무대의상 디자이너가 조명에 대해 주의할 사항 1) 장면의 분위기를 내기 위한 footlight와 border의 조명색에 대한 의상의 효과를 생각해야 한다. 2) 특별한 장면의 배우의 연기를 돋보이기 위한 spotlight의 효과를 생각해야 한다. 3) 같은 색 계통의 조명 밑에서 의상의 색은 더욱 진해지지만, 보색의 조명 밑에서 의상의 색은 검게 죽어 버린다. 4) 엷은 색의 의상이 짙은 색의 의상보다 조명에 의한 변화에 덜 반응하게 된다. 5) 짙은 색의 의상은 그 효과를 나타내려면 광도가 높은 조명이 필요하다. 그러므로 조명시설이 별로 좋지 않은 극장에서 공연을 할 경우에 의상의 색을 너무 어둡게 하면 좋지 않다.

2. 선 (line)

실루엣 구성에서 가장 큰 역할을 하게 되는 선은 그 모양에 따라 분위기와 감정이 틀려지게 되는데, 디자이너는 스케치 속의 각 선의 효과가 실제의 의상으로 되었을 때 어떠한 실루엣으로 표현되는지 정확하게 알아야 한다.

실루엣을 결정하는 요소 1) 시대 새대복 실루엣은 수정되거나 변경될 수 있으나 그 시기를 알아 볼 수 있게 하는 것이 중요하다. 2) 극장의 크기 극장이 커질수록 실루엣은 확장되어야 하며, 선은 과장되어야 한다. 3) 배우 실루엣은 배우의 결점을 좀더 아름답게 보이도록 해야 한다. 4) 의상의 색과 질감 딱딱한 색과 질감은 같이 딱딱한 선으로 하여야 하며, 부드러운 선은 부드럽고 섬세한 질감과 색을 요구한다. 좋은 디자인의 의상은 성격에 따른 선을 골라 지배적인 선을 강하게 나타낸 것이다.

3. 질감 (texture)

질감이란 직물표면의 성질, 시각적인 특성을 가리킨다. 무대의상에서 질감의 선택은 옷감의 두 가지 요소에 따라 달라질 수 있다. 첫째는 옷감의 뻣뻣한 정도에 따른 촉감이고, 둘째는 옷감의 무게에 따른 중량이다. 이 두 특성의 상호작용은 실루엣을 결정해 주고, 보다 나은 스타일의 형태를 만들어 준다. 여러 직물 중에서 무대의상의 이용효과를 살펴 보면 크게 다음의 3가지 유형으로 분류할 수 있다.

1) 거칠고 조명을 흡수하는 직물 2) 광택이 있는 직물 3) 빛나는 직물

추가바람